ダルクローズのリトミック

　ダルクローズのリトミック教育の考え方は、ダルクローズが教えたソルフェージュのクラスから生まれました。ダルクローズは、生徒の多くが、ハーモニーを単に数学的に分析し、音楽を知的に理解しているために、感覚を通して感動を起こすという音楽の真の姿を理解出来ていないことに気が付きました。

 　ダルクローズのソルフェージュのクラスの中に、聴いたり歌ったり、音や音程の認識は正確なのに、与えられたテンポに合わせたり、同じ速さを保つことが出来ない少年がいました。ある日、その少年がダルクローズの目の前を歩いているのを見た時、ダルクローズは、人間のリズミカルな歩行の流れは、リズムの中にある拍の流れと同じであることに気が付きます。そして、この少年が、本来自分自身の身体に持っているリズムの感覚を、自分自身で意識することによって、この少年のリズム感覚の弱点を解決出来るのではないか、と考えたのでした。教室に戻ったダルクローズは、生徒達を裸足にして自由に歩かせ、ダルクローズはそれに合わせてピアノで即興的に音楽を付けました。これが、リトミック教育の始まりです。従って、ダルクローズがはじめに手がけたソルフェージュ、そして身体の動きを通して学ぶリトミック、その場に応じた即興演奏が、リトミック教育の柱になります。

 　ダルクローズは、我々が音楽を感知し、理解し、経験する時には、耳が音を受け止め、全ての神経系統がリズムを受け止めるという、２つの身体の働きがあることを発見しました。そして、人は、筋肉で捉えたリズムと、刺激を伝える神経をより鋭敏に発達させることにより、耳で受け止めた音楽を身体で再現することが出来ます。従って音楽の感動を、全身の筋肉と神経によって具体化できると考えました。

 　ダルクローズの音楽に対するアプローチは、個人の美的感覚の育成の上にある、音楽成長にあります。学習に於いて、個人の経験を大切にしたダルクローズは、生活の中で経験する歩く、揺れる、まわる、ひねるなどの動きを通して、音楽を理解させようと考えました。

 　どのクラスに於いても、教師は、生徒が音楽の要素を理解するための経験を提供しますが、その活動は、生徒達にとって親しみの持てる、心地よい題材で始めます。

 　ベネット・レイマーは、美的感覚の発達の中で、美学の目的は、感性的な認識力を発達させること、つまり芸術作品（客体）の過程や結果の価値判断にあるとしました。我々は普通、ある美的感覚を持っていて、その発達の中には、（１）芸術作品（客体）の過程や結果を、受け止める段階と、（２）受け止めたものを、感情意識でとらえ、考察、認識するという２つの段階があります。美的経験は、個人の知覚の質によるので、個人の知覚の発達は、美学の踏み台となるとしています。

 　エリオット・アイズナーは、「刺激は美的感覚の大切な源」で、疑問に対して如何に対処するか、という事の大切さを述べています。疑問は、探求し解決した時に、満足感が生まれ、その結果ではなく、そこに至る過程が大切であり、それこそが、自分自身の開発や発見の経験であるとしています。

 　ジェームス・マーセルは、音楽的成長は、連続的な過程であり、「我々は、外に見える物よりも、むしろ内部にあるものをつかみだすべきである」と述べています。また、リトミックは、有効な意味のある教育であるとしています。

 　ダルクローズは、２冊の小論文のコレクション「リズムと音楽と教育」「リトミック・芸術と教育」そして、リトミックを理解する上で、音楽の要素を通して音楽にアプローチする手がかりのための、多くの動きの課題を残してはいますが、方法論は述べていません。一番大切なことは、音楽を理解し、音楽を作っている要素を通して、音楽的成長の道を見つけることで、個々の教師に対して、ダルクローズはいつも、彼の考え方を発展させて、各々のクラスに当てはめて欲しいと望んでいました。

 　リトミックのレッスンでは、教師がピアノを即興演奏し、生徒はそれを聴き、自分自身の身体の体重移動を使って、空間の中を動き、音楽に対応します。従って、教師の演奏する音楽は、身体の動きの「音のイメージ」になります。つまりリトミックは、自分自身がレッスンに参加して、音楽に身体を感応させることによって、音楽に対応する感情を動きの形で表現することになり、心と身体が結びつくことになります。 

　１９３３年にダルクローズ本人より学んだジョン・コールマンは、「リトミックそれ自身は芸術ではないが、全ての芸術のための準備である」とし、「リトミックのレッスンは、常に新しい音楽経験の積み重ねでなくてはいけない」としています。

 　また、コールマンは、空間での体重移動は、音楽のリズムそのものの経験であり、「その場だけの上半身の身振りや、単に手をたたいたり、ドラムを叩くということだけでは、音楽の流れを真に経験することは出来ない」としています。

 　つまり、身体の体重移動を通して、体内に潜在しているリズムを引き出し発達させることによって、まず自分自身の身体が、楽器となり、音楽を再現することが出来るわけです。ダルクローズのリトミック教育の総体の目的は、ダルクローズのいう「心と身体」の確実な関係を確立することにあります。

 　リトミックでは、課題やゲームのために、教師が即興演奏をします。教師の即興的に演奏された音楽に導かれて、生徒は動きます。即興演奏は、生徒の反応に応じて、自由に発展、展開させることが出来るので、必要な要素を自由に取り入れ、変化させることが出来ます。また、リトミックのレッスンは、繰り返し同じことを経験するのではなく、常に新しい音楽への挑戦なので、リトミックに於ける即興演奏は、教師と生徒間の予測のつかないチャレンジになり、集中力、注意力、創造力が要求されます。

 　ダルクローズは、歩くという自然な動きの中に、音楽の強弱、速遅、拍子などの変化から、動きのための多くの表現手段があることを認識しました。音楽は、動きであって「音は、決して静止しているものではなく、常に流れている」。従って、音楽に感応しての身体表現は、聞こえる音楽の流れの強さ、速さ、重さ、アクセント、ニュアンス、拍子、フレーズ、方向、色彩などの全ての要素を再現出来ます。

 　様々な動きの経験は、筋肉運動感覚として、身体に蓄えられます。この筋肉運動感覚を、ダルクローズは、第６番目の感覚と呼び、身体の中に蓄積する（内面化する）ことにより、必要に応じて呼び戻すことが出来ます。つまり、演奏という局面で、リトミックでの経験を生かして使うことが出来るようになるわけです。

 　ダルクローズの音楽へのアプローチは、心理学者の精神分析の考え方と共通しています。つまり、心理学者が人間を客観的対象として観察し、心の動きや行動を分析研究するように、ダルクローズは、音楽概念や音楽表現のメカニズムを分析することによって、音楽の要素の本質を捉えようとしました。そして現実の音楽に存在するテンポ、拍、拍を細分化したもの、リズムパターン、アクセント、フレーズ、拍子、変拍子、不等拍子、サイレンス、複合リズム、音楽形式等の基本的な身体表現をはじめとして、アナクルーシス・クルーシス・メタクルーシス、フレージング、シンコペーション、縮小・拡大、複合リズム、拍子、カノン、２対３・３対４などのリズム、補足リズム、３／４拍子と６／８拍子の変換を、リトミック（身体による理解）で学ぶことによって、音楽構成の仕組みが、より明確になると考えました。これらのテーマは、ダルクローズ・サブジェクツと呼ばれています。

 　リトミックのレッスンでは、音楽の中にあるダルクローズ・サブジェクツを、４つの基本的なプロセスを通して学びます。

 　１　フォロー（音楽の流れと同時に自然な運動で、音楽に従う） 　２　クイック・レスポンス（音楽へのすばやい対応） 

　３　カノン（一定の間隔を置いて音楽を追いかけて再現する） 　　４　プラスチック・アニメ（音楽を目で見える表現に仕上げる） プラスチック・アニメはダルクローズの独特な音楽表現ですが、音楽を、動きを通して再現しようというもので、ダンスや踊りとは基本的に違います。音に対する筋肉感覚の蓄積は、やがて美的活動を誘発することが出来ます。ダルクローズ・サブジェクツで学んだ音楽の要素は、音楽作品の中では、感情表現が伴うために、微妙な、強さ（ダイナミクス）と速さの変化（アゴーギク）が生まれます。プラスチック・アニメは、作品の中にある本能的なリズムの感覚と、音楽の生命力を経験出来るわけです。

 　これらのプロセスは、身体活動だけでなく、楽器（身体をたたいても音が出ます）を使って、歌（口を使って面白い音も出せます）を使ってなど、質感の違ったいろいろな音や方法を使って経験しますので、ダルクローズ・サブジェクツを、４つのプロセスを通して捉えることは、音楽を多面的に捉え、強いては深く理解することになります。 

　リトミックには、「理論は経験の後で」という原則があります。ダルクローズは生徒達に、まず自分自身を知ること、そして、身体的、知的成長の上に、社会の一員として調和し、自分自身を上手に表現出来るようになることを求めています。